“上海早期抽象”与“李山工作室艺术实验展” 马琳 -
展览中的“上戏现象
马琳

艺术史需要不停地重写,展览也需要不停地回顾。通过重写艺术史和举办回顾展,可以使我们通过展览的方式对艺术史的发展进行重新梳理和反思,可以发现被淹没的或是更有价值的艺术史料和作品,从而重新书写艺术史。从某种意义上说,现当代艺术史是通过一个又一个展览来推动的,它区别于以前的又一个特征是引入了策展人制度,使得现当代艺术史变成了展览史。因此,通过回顾展的方式来重写中国现当代艺术史已经成为了一些策展人和美术批评家想做的工作,对“上戏现象”的研究是王南溟和我这几年共同研究的一个课题,课题的研究成果以展览和论坛的方式来呈现。今天,我以“上海早期抽象:艺术史的再研究”和“李山工作室艺术实验展”两个展览为例来分析展览中的“上戏现象”。

“上海早期抽象:艺术史的再研究”展览

“上海早期抽象:艺术史的再研究”展览是继王南溟于2008年在证大现代艺术馆策划“转向抽象:1976-1985上海实验艺术回顾展”之后再一次重新讨论上海早期抽象艺术发展史的展览。“转向抽象:1976-1985上海实验艺术回顾展”是一个研究课题,是王南溟着手进行策划的。王南溟以展览的形式对这个艺术史写作中的问题进行了讨论,内容分为两个部分:一是1976-1985年期间上海实验艺术家创作的作品回顾展,二是对这些艺术家的采访,尽量记录这些艺术家在当时的创作状况和艺术思想的演变过程。展览的目的是用“85’新潮”美术这条历史分界线来重新梳理现代艺术在中国的历史线索。随着对上海实验艺术史料收集的具体化,王南溟发现在上海早期抽象的发展过程中,重要的抽象画家主要出自于“上戏”,从而提出了“上戏现象”这个课题。“上海早期抽象:艺术史的再研究”就是在这个课题的基础上继续进行研究,也可以说是“转向抽象:1976-1985上海实验艺术回顾展”的延深展,是一个更为深入的展览。展览以李山、余友涵、查国钧、仇德树、周长江、王纯杰、张健君的早期作品为对象,回顾20世纪70年代至90年代之间上海早期抽象艺术的成果。在这7位艺术家中,有5位艺术家李山、查国钧、周长江、王纯杰、张健君都是来自于“上戏”。这些艺术家都参加了“转向抽象”的展览,并且都是中国现代艺术史中上海抽象艺术的开拓者和实验者,展览从美术史的角度对这些艺术家作重要的学术梳理,从而还原上海抽象艺术发展的自身逻辑结构。

在上海早期抽象艺术的发展中,李山是一个关键性的人物。早在20世纪60年代李山还在上海戏剧学院舞台美术系读书的时候,就开始默默进行抽象语汇的探索和试验。在对李山的采访中,李山说他在读书的过程中,学校教的还是苏联那套模式,这对他来说没什么新鲜感,反而使他对林风眠、关良的油画印象非常深。从他大二开始,因为“文革”,学校就不再上课了,他喜欢待在学校的图书馆里,当时在图书馆工作的闵希文老师给了他很大帮助,使得他看了很多三四十年代出版的印象派、现代派画册,这对他进行早期抽象实验的探索起了潜移默化的作用。

1983年9月,李山与上海戏剧学院的几位艺术家一起参加了在复旦大学举办的“八三年阶段绘画实验展览”,展览同时展出了具象和抽象的作品,内容上多是对文化精神的思索,形式上也运用了沙石、玻璃、石膏等多种材料,展览旨在实验性的探索。这个展览在当时非常轰动,但是展出两天半后就夭折了,艺术批评界对这个展览大多采取了批评的态度,这个展览也因此成为了资产阶级精神污染的典型。但是从展览史的角度来看,这个展览是上海早期抽象画的转折点,打破了画种的界限,可以说使上海的艺术进程,从现代主义向当代艺术的方向前进了一大步。李山当时展出的抽象的纸本作品已经不存在了,但从本次展出的李山创作于1979年的《秩序》系列作品我们可以找到创作的痕迹与线索。值得一提的是,李山为了这次展览,特意拿出了他创作于1967年和1973年的手稿。1967年的手稿是用碳棒画的单纯黑白抽象画,有立体主义和结构主义的特征。1973年的手稿是纸上作品,抽象的形式语言进一步深化,线与面的结构和平面化的表现与后来创作的《秩序》一脉相承。这些手稿一直被李山所珍藏并是第一次展出,是很有史料价值的作品,对我们研究上海抽象艺术的来龙去脉和上戏现象有很重要的价值。

查国钧和张健君也参加了“八三年阶段绘画实验展览”。查国钧1967年毕业于上海戏剧学院,后来旅美成为职业画家。在一篇访谈录中,查国钧回忆说,正是当年看到上海戏剧学院的留学生从美国带来的一本《波洛克》的画册,开启他转向抽象艺术的探索,把流动主义的概念和中国的

金石篆刻结合在一起,形成自己独特的创作风格。本次展出的作品如《水乡》也参加了八三年阶段绘画实验展览,查国钧将江南水乡变形,作成流动主义的抽象画。作品初看起来好似波洛克的滴洒,黑色的不规则网格线的背后是对江南水乡的记忆。

张健君1978年毕业于上海戏剧学院,后来到美国纽约大学任教。他最初的抽象作品以强烈刺目的红、黑为主,硕大的笔触和狂乱的笔法,类似于野兽派的风格,有“野兽张”的称号,后来则用黑、白、灰简化的色彩和综合材料进行创作。作品《永恒的对话》是“八三年阶段绘画实验展览”中最有争议、最受关注的作品。他运用了石头和玻璃等综合材料,在画布上组合成为视觉语言,来表达对时间的思考。所以在这个展览受到批判的时候,张健君的这张作品成为关注的焦点。

本次展出的创作于1980年的《溪岸》是一件运用卵石、油彩、建筑混合材料创作的综合材料作品。《有》系列运用一些弧形、圆、矩形组成的画面,强调物质存在的“质感”。从这些展览作品中从我们可以看出张健君创作方式与观念的变化,以及他的抽象艺术发展过程。

王纯杰是李山的学生,1982年毕业于上海戏剧学院舞台美术系,后来移居香港。1983年5月1日-16日,李山、王纯杰和袁颂民在徐汇区文化馆举办了“三友画展”,王纯杰当时就展出了有很多表现主义风格的作品。王纯杰喜欢原始艺术,他先是从画面具原始主义开始,画灵魂的东西,画神秘与生命背后的东西,所以他在传统文化和新的绘画形式中努力寻找平衡点。其早期作品呈现出一种符号和涂写的意向,如此次展出的用象形文字作画的创作于1983年的《笔记》系列作品。本次展览还展出了王纯杰从未展出的早期作品,是他1982年-1983年在香港期间创作的作品《无题》。这批作品尺寸不大,是用水彩画在卡纸上的,同样是用近乎涂鸦的方式来表现,但是许多张并置在一起的时候却产生了强烈的效果,这种观念性的表达方式导致了他在后来的艺术创作道路上转向了装置艺术。

周长江虽然没有参加任何民间自发的带有实验性的展览,但他一直活跃在抽象领域,展览展出了创作于1983-1985年的综合材料《互补》系列作品,表达对现代绘画的思考和对中国传统文化的深层阐释。周长江对于这一作品的命名也文化的深层阐释。周长江对于这一作品的命名也许和80年代中期中国的文化讨论和对传统的再认识有关,当然也和他个人的精神特质有关。周长江最初的《互补》作品是将男女两种人形符号化,并进行某种对立而平衡的空间构造,是一种形式语言的设定。随着男女两种人形愈趋模糊和抽象,后来的《互补》系列作品更偏重于媒介的实验。

在展览期间,我们还举办了为期两天的 “艺术史研究与当代艺术理论:1980年代的中国艺术” 国际学术论坛,由王南溟担任学术主持,邀请了美国特拉维夫大学的哈吉·坎南教授、浙江大学沈语冰教授、美国科罗拉多大学朴钟弼教授、瑞典远东古物博物馆司汉研究员、南京艺术学院顾丞峰教授、美国芝加哥艺术学院蒋奇谷教授、以及王纯杰和笔者一起参加了论坛并做了主题演讲。大家围绕着这个议题和展览从不同角度予以阐释,我们希望通过这个回顾展和论坛,为后来的艺术史写作提供参考,以推进美术史写作的方法论研究。《上海早期抽象:艺术史的再研究》这本书就是这个展览和论坛的研究文献。

李山工作室艺术实验展

2014年,我开始了“李山工作室艺术实验项目”的课题研究,分析李山的教育理念以及对学生的影响。这个课题同样以展览和文献的方式来呈现。李山不仅是卓有成就的艺术家,在教育思想上也有自己独特的理念。李山毕业后,任教于上海戏剧学院,闵希文当年指导李山的方法成了一种教学传统,李山也用这种方法,鼓励他的学生在创作中放开思维,大胆实验。王纯杰在访谈说,李山的教学方式是一种启发式的,尤其是原始艺术,为了不限制学生的思维,他不会讲太多创作技法上的模式规范,“而是让你自己动脑筋,自己找到办法是最好的办法。所以李山让我们看很多书,跟我们讨论一些原始的神秘现象,讲自然的、回到本能的一种表现。他讲的范围很宽,貌似和绘画没有太多关系,但以后发现影响最大的还是他。” 李山就是用这种开放自由的教学方式打开学生的思维,这对学生在艺术创作上的实验探索是非常重要的。可以说“实验性”是贯穿了李山几十年教学的一条主线。他的学生也在传承他的艺术实验精神和尊师传统,这也成为了上海现当代艺术教育史研究中的一个“上戏现象”个案,正如批评家王南溟在《恩师的力量》一文中所说:“我们也看到了在这样的艺术史展览中,每一代学生都在感谢他们的恩师,这也成为了上海现代艺术史的一个传统”。

2014年,李山在上海金山成立了“李山工作室”,希望能以此工作室为毕业于上海戏剧学院舞台美术系的艺术家和在上戏工作的相关老师搭建一个自由交流的平台,继续进行艺术实验。“李山工作室艺术实验项目”是“李山工作室”的第一个系列项目。该项目以“实验性”和“学术性”为主导,以展览、论坛、行为等方式展出刘波伦、张永和、王喜波、龚新如、杨青青、徐国峰、李刚、施少平、王韦予等8-10位艺术家最新创作的作品。这些艺术家都是李山的学生,虽然他们风格各异,却有着共通的艺术实验精神。

《悬——刘波伦艺术实验展》是“李山工作室艺术实验项目”的第一个展览项目。展览由两部分组成,一部分展出他的装置作品,如《门》、《习惯了就自然了》、《有多远,走多远》等,一部分展出他最新创作的综合材料作品《被告》系列。刘波伦选择日常物体作为创作元素,制造一种似曾相识的感觉。在刘波伦的作品中,对立与冲突、安全与危险、创造与毁灭、和平与纷争这些要素被并置与平衡。他通过对这些事物的解构和转换,表达自己看待社会变化的观点。

《信徒——张永和艺术实验展》是“李山工作室艺术实验项目”的第二个展览项目。张永和是一位具有实验精神的当代艺术家,1984年毕业于上海戏剧学院舞台美术系,受老师李山影响,从20世纪80年代起,张永和就开始了抽象绘画的实验并不断进行实验性创作。他从个人心灵出发,选择了宗教故事中的形象如先知、天使等作为绘画的主题,并把新疆龟兹石窟壁画的影响和自身信仰的相互关系,隐喻在绘画的抽象形式语言之中。张永和多年来一直保持艺术实验的姿态,尝试新的语言方式。本次展览将展出其最新创作的《信徒》系列作品。这些作品创作于带有文字的书上或纸上,他把素描和速写的方法融入到对图像的描绘中,用线条勾勒的方法和大写意式的平涂色彩为我们呈现了他心目中的“天使”形象,不仅表达了自己作为一名信徒的执着,更多的是对灵魂和生命意义的反复追问。

《开天窗——王喜波艺术实验展》是“李山工作室艺术实验项目”的第三个展览项目。王喜波1995年毕业于上海戏剧学院,对场所的关注和时间概念的表达以及语言的使用贯穿了王喜波近年来创作的主题。如《旮旯系列》静态影像作品通过对各个城市不为人注意的公共空间角落的拍摄,通过数码语言的编译为我们呈现了“非空间”的似曾相识感和暂时性错位感。《香坊系列》纸上作品通过对图像和文字的拼贴和挪用,使我们不断在阅读和观看之间转换。本次展览呈现了王喜波以多种媒介最新创作的实验性作品,以“开天窗”的方式呈现了他对艺术、社会以及生存空间的思考。

《逆行——龚新如艺术实验展》是“李山工作室艺术实验项目”的第四个展览项目。这场名为“逆行”的展览空间以醒目的黑白色为主,展出的9件作品中有龚新如标志性一般的斑马线、路障墩、指示箭头,延续了龚新如一贯的实验性。他将交通作为自己的创作主题,使用交通符号,禁令标识营造出一个个关于交通事故和车祸现场的形态,从而引发对于交通背后的思考。在这次展览中,龚新如还使用了大量的现成品,如安全帽、路障墩、碎玻璃等,他以挪用的方法赋予这些物品新的意义,为的是突出一些具体问题,比如生命的脆弱,对自由的向往,这些问题由作品引导观众而加以思索。可以说,“逆行”展览在探讨交通安全、社会与自由问题的同时,也是龚新如对自己人生的思考和阶段性总结。

近几年来,上戏的教学也在不断的走向开放,以展览来带动学生的创作和校外实践是一个非常行之有效的方法。比如在2015年胡项城策划的《更新场》展览中,我们可以看到目前活跃于当代艺术界的上海戏剧学院年轻教师和学生的作品。胡项城曾任教于上海戏剧学院,在教学中也是鼓励学生大胆试验,并且进行多媒体和综合材料的实验。《更新场》是一个乡村重建的艺术项目,在展览中有一件作品《塑造时光》是由胡项城带领学生共同创作完成的一件作品。在新场古镇有许多的老宅的门窗因为光的作用使窗格组成一组组丰富多彩的历史记忆。这些光雕塑作品群在古镇的出现,不仅延续发展了光的艺术,同时也丰富了以往的雕塑概念。胡项城通过跟学生的互动,让学生到社会去实践并参与当代艺术的展览,打开了学生社会学习的一个通道,也加深了学生对当代艺术的理解。

需要说明的是,以上这两个展览案例只是研究“上戏现象”的一个侧面,并不能代表“上戏现象”的全部。随着时间的发展,“上戏现象”研究的对象和内涵会不断的扩展和深入。在艺术与非艺术之间的边界不断被打破的今天,在全球化教育的语境下,上戏的艺术教育如何能够继续实验精神,培养更有创造力和想象力的当代艺术家?我想这是研究“上戏现象”需要思考的一个问题。当然,关于这个课题,我们还会继续进行下去。

马琳
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